miércoles, 19 de mayo de 2010
AQUI TENEMOS EL POEMA QUE LE DA NOMBRE A NUESTRO BLOG: "Si el hombre pudiera..." de Luis cernuda
Si el hombre pudiera decir lo que ama,
si el hombre pudiera levantar su amor por el cielo
como una nube en la luz;
si como muros que se derrumban,
para saludar la verdad erguida en medio,
pudiera derrumbar su cuerpo,
dejando sólo la verdad de su amor,
la verdad de sí mismo,
que no se llama gloria, fortuna o ambición,
sino amor o deseo,
yo sería aquel que imaginaba;
aquel que con su lengua, sus ojos y sus manos
proclama ante los hombres la verdad ignorada,
la verdad de su amor verdadero.
Libertad no conozco sino la libertad de estar preso en alguien
cuyo nombre no puedo oír sin escalofrío;
alguien por quien me olvido de esta existencia mezquina
por quien el día y la noche son para mí lo que quiera,
y mi cuerpo y espíritu flotan en su cuerpo y espíritu
como leños perdidos que el mar anega o levanta
libremente, con la libertad del amor,
la única libertad que me exalta,
la única libertad por que muero.
Tú justificas mi existencia:
si no te conozco, no he vivido;
si muero sin conocerte, no muero, porque no he vivido.
POEMA DE LORCA: "Muerte de Antoñito El Camborio"
Voces de muerte sonaron
cerca del Guadalquivir.
Voces antiguas que cercan
voz de clavel varonil.
Les clavó sobre las botas
mordiscos de jabalí.
En la lucha daba saltos
jabonados de delfín.
Bañó con sangre enemiga
su corbata carmesí,
pero eran cuatro puñales
y tuvo que sucumbir.
Cuando las estrella clavan
rejones al agua gris,
cuando los erales sueñan
verónicas de alhelí,
voces de muerte sonaron
cerca del Guadalquivir.
*
Antonio Torres Heredia.
Camborio de dura crin,
moreno de verde luna,
voz de clavel varonil:
¿Quién te ha quitado la vida
cerca del Guadalquivir?
Mis cuatro primos Heredias
Hijos de Benamejí.
Lo que en otros no envidiaban,
ya lo envidiaban en mí.
Zapatos color corinto,
medallones de marfil,
y este cutis amasado
con aceituna y jazmín.
¡Ay, Antoñito el Camborio,
digno de una Emperatriz!
Acuérdate de la Virgen
porque te vas a morir.
¡Ay Federico García,
llama a la guardia civil!
Ya mi talle se ha quebrado
como caña de maíz.
*
Tres golpes de sangre tuvo
y se murió de perfil.
Viva moneda que nunca
se volverá a repetir.
Un ángel marchoso pone
su cabeza en un cojín.
Otros de rubor cansado
encendieron un candil.
Y cuando los cuatro primos
llegan a Benamejí,
voces de muerte cesaron
cerca del Guadalquivir.
miércoles, 28 de abril de 2010
FEDERICO GARCÍA LORCA (1898-1936)
Nació en Fuente Vaqueros, Granada. Desde niño demostró aptitudes artísticas: aprendió a tocar la guitarra y estudió piano y armonía. Su sueño era dedicarse a la música, pero sus padres lo obligaron a estudiar una carrera. Empezó Derecho y Filosofía y Letras en Granada.Continuó sus estudios en Madrid y se alojó en la Residencia de Estudiantes, donde trabó gran amistad con Buñuel, Dalí, etc.
En 1929, realizó un viaje como becario a Nueva York, que le dejaría profunda huella. Regresó a España y se dedicó casi exclusivamente a la actividad teatral al frente del grupo de teatro universitario La Barraca.
Su carrera y su vida quedaron truncadas al ser asesinado al comienzo de la Guerra Civil.
El mundo poético de Lorca es trágico y violento en contraste con su carácter alegre y extravertido. En su obra existe siempre la sensación de que algo terrible va a ocurrir.
*CANCIONES Y POEMA DEL CANTE JONDO
Estos dos libros se encuentran dentro de la poesía neopopular. Su novedad radica en el empleo de técnicas vanguardistas aplicadas a temas y motivos tradicionales. Lorca intentó plasmar en estas primeras obras la magia y el embrujo andaluces.
Canción del Jinete
En la luna negra
de los bandoleros,
cantan las espuelas.
Caballito negro.
¿Dónde llevas tu jinete muerto?
... Las duras espuelasdel
bandido inmóvil
que perdió las riendas.
Caballito frío.
¡Qué perfume de flor de cuchillo!
En la luna negra
sangraba el costado
de Sierra Morena.
Caballito negro.
¿Dónde llevas tu jinete muerto?
La noche espolea
sus negros ijares
clavándose estrellas.
Caballito frío.
¡Qué perfume de flor de cuchillo!
En la luna negra,
¡un grito! y el cuerno
largo de la hoguera.
Caballito negro.
¿Dónde llevas tu jinete muerto?
*ROMANCERO GITANO.
"El libro en conjunto, aunque se llama gitano, es el poema de Andalucía y lo llamo gitano porque el gitano es lo más elevado, lo mas profundo, lo mas aristocrático de mi país". Así habla Lorca de la "Andalucía del llanto", representada en el Romancero gitano.
Esta obra esá dominada por la frustración, un tema caracter´stico del autor. Sus personajes no pueden realizarse personalmente porque la muerte o la sociedad se lo impiden.
Entre los recursos formales destacan la fusión de rpmances líricos y épicos, los diálogos teatrales, las metáforas y la adjetivación sensorial.
*ROMANCE DE LA PENA NEGRA
A José Navarro Pardo
Las piquetas de los gallos
cavan buscando la aurora,
cuando por el monte oscuro
baja Soledad Montoya.
Cobre amarillo, su carne,
huele a caballo y a sombra.
Yunques ahumados sus pechos,
gimen canciones redondas.
Soledad, ¿por quién preguntas
sin compaña y a estas horas?
Pregunte por quien pregunte,
dime: ¿a ti qué se te importa?
Vengo a buscar lo que busco,
mi alegría y mi persona.
Soledad de mis pesares,
caballo que se desboca,
al fin encuentra la mar
y se lo tragan las olas.
No me recuerdes el mar,
que la pena negra,
brota en las tierras de aceituna
bajo el rumor de las hojas.
¡Soledad, qué pena tienes!
¡Qué pena tan lastimosa!
Lloras zumo de limón
agrio de espera y de boca.
¡Qué pena tan grande!
Corro mi casa como una loca,
mis dos trenzas por el suelo,
de la cocina a la alcoba.
¡Qué pena! Me estoy poniendo
de azabache carne y ropa.
¡Ay, mis camisas de hilo!
¡Ay, mis muslos de amapola!
Soledad: lava tu cuerpo
con agua de las alondras,
y deja tu corazón en paz,
Soledad Montoya.
Por abajo canta el río:
Con flores de calabaza,
la nueva luz se corona.
¡Oh pena de los gitanos!
Pena limpia y siempre sola.
¡Oh pena de cauce oculto
y madrugada remota!
3.POETA EN NUEVA YORK
Lorca escribió esta obra después de la experiencia de su viaje a Nueva York en 1929. En esta ciudad se encontró ante situaciones de miseria y de esclavitud. Su profunda crisis personal se sumó a la búsqueda de una nueva forma de expresión que encontró en las nuevas técnicas subrrealistas.
La naturaleza simboliza lo auténtico, frente a la ciudad, que representa la frustación. La vida en sociedad hace uniformes a los hombres y anula lo que tienen de individualidad; por eso, los seres marginados(negros, homosexuales...) son los preferidos del autor.
En el plano formal se acumulan difíciles imágenes irracionales, enumeraciones caóticas, sinestesias... Prefirió el verso libre, aunque con un ritmo creado a partir de anáforas y repeticiones:
Debajo de las multiplicaciones
debajo de las divisiones
debajo de las sumas, un río de sangre tierna.
Un río que viene cantando
por los dormitorios de los arrabales,
y es plata, cemento o brisa
en el alba mentida New York.
Desde sus primeros libros, Lorca sorprende con un estílo maduro y personal. Una de las piezas clave de su poesía y su teatro es el predominio de lo sensorial, que hace que la naturaleza experimente una personificación a través de la adjetivación y de las imágenes.
La metáfora y el símbolo son los recursos fundamentales. Sus imágenes suelen resultar complejas y muy elaboradas.
*LORCA RENOVADOR DEL TEATRO
Lorca es también un dramaturgo de fama universal. Realizó una gran tarea de difusión del teatro clásico al frente de La Barraca y renovó la escena española con una nueva concepción del hecho dramático en la que se funden el teatro y la poesía.
*OBRA DRÁMATICA:
Obras menores:
- Farsas para títeres. Los títeres de Cachiporra
-Farsas para personas. La zapatera prodigiosa
Obra mayores:
-Surrealismo. El úblico, Así que pasen cinco años
-Dos piezas granadinas. Mariana Pineda, Doña Rosita la soltera
-Ciclo trágico. Bodas de sangre, Yerma y La casa de Bernarda Alba
*CÍCLO TRÁGICO
Dentro de la producción teatral de Lorca, el llamado " ciclo trágico" contiene las obras de mayor calidad. En Bodas de sangre, Yerma y La casa de Bernarda Alba se conjugan todas las preocupaciones del autor: la frustración, la soledad... y el amor.
El amor, o más bien su ausencia, es la tragedia de Yerma. Por medio de la protagonista, Lorca analiza la frustración de la mujer sin hijos y limitada por las convenciones de la sociedad.
El amor constituye el tema en Bodas de sangre. Una muchacha huye con su amante el día de su boda. La familia de éste, casado con otra mujer, protagoniza desde tiempo atrás un enfrentamiento violento con la familia del Novio, que ya ha costado varias vidas. El ultraje al honor sirve de acicate al odio entre familias. Al final, el Novio y el amante mueren porque todo a su alrededor parecese haberse confabulado para propiciar la tragedia.
En La casa de Bernarda Alba, el tema de la frustración se repite. A la muerte de su marido, Bernarda impone a sus cinco hijas un luto riguroso; sólo Angustias, la mayor, tendrá la posibilidad de salir de aquella casa, ya que Bernarda ha concertado su boda con Pepe el Romano. La figura masculina ( que nunca aparece en escena ) desatará las pasiones de todas las hermanas. Adela, la más joven y hermosa, inicia unas relaciones secretas con Pepe que la llevarán al enfrentamiento con su madre y, finalmente, a un trágico desenlace. En este caso, la frustración procede del autoritarismo de Bernarda, que reprime las ansias de libertad de su hija Adela.
*SÍMBOLOS LORQUIANOS MÁS FRECUENTES EN LA POESÍA Y EL TEATRO.
-La luna: El centro de la vida y la muerte; el erotismo, la fecundidad, la belleza...
-El agua: Si corre libre, el deseo erótico, pero si se recoge es la murte o la vida frustrada.
-La sangre: La vida, la sexualidad y la fertilidad, o el sufrimiento.
-El caballo: La naturaleza, la vida, el erotismo.
-Las hierbas y los metale: La muerte.
miércoles, 7 de abril de 2010
RAFAEL ALBERTI (1902-1999)
Nació en el Puerto de Santa María, Cádiz. Se transladó con su familia a Madrid cuando tenía 15 años. El cambio de entorno provocó en el poeta un profunda añoranza del mar de Cádiz. En 1929 sufrió una profunda crisis personal y comenzó a intervenir en política. Durante la Guerra Civil desarrolló una intensa actividad cultural y de agitación a favor de la República. Se exilió en París, Argentina y Roma. No volvió a España hasta que no se produjo la legalización del Partido Comunista en 1977.
*COMIENZOS NEOPOPULARISTAS.
La poesía de Rafael Alberti destaca por la variedad de estilos que ensayó a lo largo de su vida. En Marinero en tierra, el poeta recuerda el paraiso perdido de su infancia en las costas de Cádiz. El contraste entre el mar y la tierra, el pasado y el presente, el sueño y la realidad, refleja los conflictos del hombre que busca su identidad.
Formalmente, aparece lo que se llamó el estilo neopopularista, inspirado en la poesía tradicional: estructuras pararelisticas, estribillos... La sencillez de los poemas es, no obstante, más aparetnte que real.
Si mi voz muriera en tierra
llevadla al nivel del mar
y dejadla en la ribera.
Llevadla al nivel del mar
y nombardla capitana
de un blanco bajel de guerra.
¡Oh mi voz condecorada
con la insignia marinera:
sobre el corazón un ancla
y sobre el ancla una estrella
y sobre la estrella el viento
y sobre el viento la vela!
*BARROQUISMO Y VANGUARDIA.
Estos dos componentes se unen en Cal y canto. Los tercetos, sonetos o ramences cultos tratan temas del mundo moderno: un portero de fútbol, un billete de tranvía... El lenguaje, muy elavorado, produce poemas dificiles de entender.
Adonde el viento, impávido, subleva
torres de luz contra la sangre mía,
tú, billete, flor nueva,
cortada en los balcones del tranvía.
Huyes, directa, rectamente liso,
en tu pétalo un nombre y un encuentro
Latentes, a ese centro
cerrado y por cortar del compromiso.
Y no arde en ti la rosa, ni en ti priva
el finado clavel, si la violeta
contemporánea, viva,
del libro que viaja en la chaqueta.
*TÉCNICA SURREALISTA
Una grave crisis personal lo conduce al surrealismo de Sobre los ángeles. El poeta, expulsado del paraíso, vaga sin esperanzas por un mundo sin sentido, acosado por "ángeles malos o buenos", que representan sus obsesiones. La versificación es variada, desde los poemas cortos en heptasílabos u octosílabos hasta los largos versículos.
"Desahucio":
Ángeles malos o buenos,
que no sé,
te arrojaron en mi alma.
Sola,
sin muebles y sin alcobas,
deshabitada.
De rondón, el viento hiere
las paredes,
las más finas, vítreas láminas.
Humedad. Cadenas. Gritos.
Ráfagas.
Te pregunto:
¿cuándo abandonas la casa,
dime,
qué ángeles malos, crueles,
quieren de nuevo alquilarla?
Dímelo.
*POESÍA COMPROMETIDA
Durante la República, Alberti se volcó hacia la poesía de compromiso en la línea de Poeta en la calle. Más tarde, en el exilio, escribe Entre el clavel y la espada; la espada simboliza la poesía comprometida de los últimos años, mientras que el clavel proclama la belleza de la poesía libre de sometimiento.
"Nocturno":
Cuando tanto se sufre sin sueño y por la sangre
se escucha que transita solamente la rabia,
que en los tuétanos tiembla despabilado el odio
y en las médulas arde continua la venganza,
las palabras entonces no sirven: son palabras.
Balas. Balas.
Manifiestos, artículos, comentarios, discursos,
humaredas perdidas, neblinas estampadas.
¡qué dolor de papeles que ha de barrer el viento,
qué tristeza de tinta que ha de borrar el agua!
Balas. Balas.
Ahora sufro lo pobre, lo mezquino, lo triste,
lo desgraciado y muerto que tiene una garganta
cuando desde el abismo de su idioma quisiera
gritar lo que no puede por imposible, y calla.
Balas. Balas.
Siento esta noche heridas de muerte las palabras.
La poesía de Rafael Alberti destaca por la variedad de estilos que ensayó a lo largo de su vida. En Marinero en tierra, el poeta recuerda el paraiso perdido de su infancia en las costas de Cádiz. El contraste entre el mar y la tierra, el pasado y el presente, el sueño y la realidad, refleja los conflictos del hombre que busca su identidad.
Formalmente, aparece lo que se llamó el estilo neopopularista, inspirado en la poesía tradicional: estructuras pararelisticas, estribillos... La sencillez de los poemas es, no obstante, más aparetnte que real.
Si mi voz muriera en tierra
llevadla al nivel del mar
y dejadla en la ribera.
Llevadla al nivel del mar
y nombardla capitana
de un blanco bajel de guerra.
¡Oh mi voz condecorada
con la insignia marinera:
sobre el corazón un ancla
y sobre el ancla una estrella
y sobre la estrella el viento
y sobre el viento la vela!
*BARROQUISMO Y VANGUARDIA.
Estos dos componentes se unen en Cal y canto. Los tercetos, sonetos o ramences cultos tratan temas del mundo moderno: un portero de fútbol, un billete de tranvía... El lenguaje, muy elavorado, produce poemas dificiles de entender.
Adonde el viento, impávido, subleva
torres de luz contra la sangre mía,
tú, billete, flor nueva,
cortada en los balcones del tranvía.
Huyes, directa, rectamente liso,
en tu pétalo un nombre y un encuentro
Latentes, a ese centro
cerrado y por cortar del compromiso.
Y no arde en ti la rosa, ni en ti priva
el finado clavel, si la violeta
contemporánea, viva,
del libro que viaja en la chaqueta.
*TÉCNICA SURREALISTA
Una grave crisis personal lo conduce al surrealismo de Sobre los ángeles. El poeta, expulsado del paraíso, vaga sin esperanzas por un mundo sin sentido, acosado por "ángeles malos o buenos", que representan sus obsesiones. La versificación es variada, desde los poemas cortos en heptasílabos u octosílabos hasta los largos versículos.
"Desahucio":
Ángeles malos o buenos,
que no sé,
te arrojaron en mi alma.
Sola,
sin muebles y sin alcobas,
deshabitada.
De rondón, el viento hiere
las paredes,
las más finas, vítreas láminas.
Humedad. Cadenas. Gritos.
Ráfagas.
Te pregunto:
¿cuándo abandonas la casa,
dime,
qué ángeles malos, crueles,
quieren de nuevo alquilarla?
Dímelo.
*POESÍA COMPROMETIDA
Durante la República, Alberti se volcó hacia la poesía de compromiso en la línea de Poeta en la calle. Más tarde, en el exilio, escribe Entre el clavel y la espada; la espada simboliza la poesía comprometida de los últimos años, mientras que el clavel proclama la belleza de la poesía libre de sometimiento.
"Nocturno":
Cuando tanto se sufre sin sueño y por la sangre
se escucha que transita solamente la rabia,
que en los tuétanos tiembla despabilado el odio
y en las médulas arde continua la venganza,
las palabras entonces no sirven: son palabras.
Balas. Balas.
Manifiestos, artículos, comentarios, discursos,
humaredas perdidas, neblinas estampadas.
¡qué dolor de papeles que ha de barrer el viento,
qué tristeza de tinta que ha de borrar el agua!
Balas. Balas.
Ahora sufro lo pobre, lo mezquino, lo triste,
lo desgraciado y muerto que tiene una garganta
cuando desde el abismo de su idioma quisiera
gritar lo que no puede por imposible, y calla.
Balas. Balas.
Siento esta noche heridas de muerte las palabras.
miércoles, 10 de marzo de 2010
LUIS CERNUDA (1902-1963)
Nació en Sevilla en una familia disciplinada y severa hacia la que Cernuda no manisfestó especial apego. Inició la carrera de Derecho y asistió a las clases de Pedro Salinas. Tras la muerte de sus padres, se instaló en Madrid y viajó a Francia y a Gran Bretña como lector de español. Durantela guerra apoyó a los republicanos y en 1938 inició un exilio del que nunca volvería.
*LA REALIDAD Y EL DESEO.
Así tituló Cernuda sus obras completas. Su poesía es una continua exploración del amor entendido como pasioón erótica, que es la única esperanza, siempre momentánea, para superar el paso del tiempo. La frustración y la soledad de su vida le hicieron volcarse en su interio, donde podía recrear un mundo perfecto, a la medida de sus anhelos.
Sus preocupaciones podrían resumirse en un solo tema: la constante tensión entre la realidad y el deseo, porque "todos los sueños son irrealizables en este mundo. Por modestos que sean, la realidad los aventa como lo que son: humo, menos que humo".
Si el hombre pudiera decir lo que ama,
si el hombre pudiera levantar su amor por el cielo
como una nube en la luz;
si como muros que se derrumban,
para saludar la verdad erguida en medio,
pudiera derrumbar su cuerpo,
dejando sólo la verdad de su amor,
la verdad de sí mismo,
que no se llama gloria, fortuna o ambición,
sino amor o deseo,
yo sería aquel que imaginaba;
aquel que con su lengua, sus ojos y sus manos
proclama ante los hombres la verdad ignorada,
la verdad de su amor verdadero.
Libertad no conozco sino la libertad de estar preso en alguien
cuyo nombre no puedo oír sin escalofrío;
alguien por quien me olvido de esta existencia mezquina
por quien el día y la noche son para mí lo que quiera,
y mi cuerpo y espíritu flotan en su cuerpo y espíritu
como leños perdidos que el mar anega o levanta
libremente, con la libertad del amor,
la única libertad que me exalta,
la única libertad por que muero.
Tú justificas mi existencia:
si no te conozco, no he vivido;
si muero sin conocerte, no muero, porque no he vivido.
*TRAYECTORIA POÉTICA.
Los autores consagrados de su generación ejercieron sobre Cernuda una gran influencia, así como la poesía de Garcilaso. El poema corto, las estrofas clásicas de la poesía pura, dominan nen Égloga, elegía, oda.
Posteriormente ensayó el surrealismo en Los placeres prohibidos, pues éste le premitía indagar sus conflictos íntimos y expresar su rebeldía. Frente al clasicismo anterior, prefiere ahora el poema largo, el verso blanco o el versículo y las imágentes irracionales.
A partir de Donde habite el olvido,Cernuda buscó su propio estilo. Abandonó el surrealismo por una poesía intimista y austera, con escasa adjetivación y un uso contenido de la imagen.
Donde habite el olvido,
En los vastos jardines sin aurora;
Donde yo sólo sea
Memoria de una piedra sepultada entre ortigas
Sobre la cual el viento escapa a sus insomnios.
Donde mi nombre deje
Al cuerpo que designa en brazos de los siglos,
Donde el deseo no exista.
En esa gran región donde el amor, ángel terrible,
No esconda como acero
En mi pecho su ala,
Sonriendo lleno de gracia aérea mientras crece el tormento.
Allí donde termine este afán que exige un dueño a imagen suya,
Sometiendo a otra vida su vida,
Sin más horizonte que otros ojos frente a frente.
Donde penas y dichas no sean más que nombres,
Cielo y tierra nativos en torno de un recuerdo;
Donde al fin quede libre sin saberlo yo mismo,
Disuelto en niebla, ausencia,
Ausencia leve como carne de niño.
Allá, allá lejos;
Donde habite el olvido.
*POESÍA EN EL EXILIO.
Los poetas que abandonaron España tras la guerra se sintieron injustamente arrancados de su patria; de ahí que uno de los grandes temas de la poesía del exilio sea la nostalgia de España.
En todas las obras posteriores a 1936, Cernuda se enfrenta al tema de España vivido como problema. Su sentimiento va de la nostalgia a la crítica feroz, porque, a pesar de que siempre fue tratado con intolerancia, para él representaba el símbolo de la infancia, el paraíso perdido.
A esta última etapa pertenece Desolación de la quimera, un poemario que ha suscitado gran admiración entre las últimas generaciones de poetas.
*LA REALIDAD Y EL DESEO.
Así tituló Cernuda sus obras completas. Su poesía es una continua exploración del amor entendido como pasioón erótica, que es la única esperanza, siempre momentánea, para superar el paso del tiempo. La frustración y la soledad de su vida le hicieron volcarse en su interio, donde podía recrear un mundo perfecto, a la medida de sus anhelos.
Sus preocupaciones podrían resumirse en un solo tema: la constante tensión entre la realidad y el deseo, porque "todos los sueños son irrealizables en este mundo. Por modestos que sean, la realidad los aventa como lo que son: humo, menos que humo".
Si el hombre pudiera decir lo que ama,
si el hombre pudiera levantar su amor por el cielo
como una nube en la luz;
si como muros que se derrumban,
para saludar la verdad erguida en medio,
pudiera derrumbar su cuerpo,
dejando sólo la verdad de su amor,
la verdad de sí mismo,
que no se llama gloria, fortuna o ambición,
sino amor o deseo,
yo sería aquel que imaginaba;
aquel que con su lengua, sus ojos y sus manos
proclama ante los hombres la verdad ignorada,
la verdad de su amor verdadero.
Libertad no conozco sino la libertad de estar preso en alguien
cuyo nombre no puedo oír sin escalofrío;
alguien por quien me olvido de esta existencia mezquina
por quien el día y la noche son para mí lo que quiera,
y mi cuerpo y espíritu flotan en su cuerpo y espíritu
como leños perdidos que el mar anega o levanta
libremente, con la libertad del amor,
la única libertad que me exalta,
la única libertad por que muero.
Tú justificas mi existencia:
si no te conozco, no he vivido;
si muero sin conocerte, no muero, porque no he vivido.
*TRAYECTORIA POÉTICA.
Los autores consagrados de su generación ejercieron sobre Cernuda una gran influencia, así como la poesía de Garcilaso. El poema corto, las estrofas clásicas de la poesía pura, dominan nen Égloga, elegía, oda.
Posteriormente ensayó el surrealismo en Los placeres prohibidos, pues éste le premitía indagar sus conflictos íntimos y expresar su rebeldía. Frente al clasicismo anterior, prefiere ahora el poema largo, el verso blanco o el versículo y las imágentes irracionales.
A partir de Donde habite el olvido,Cernuda buscó su propio estilo. Abandonó el surrealismo por una poesía intimista y austera, con escasa adjetivación y un uso contenido de la imagen.
Donde habite el olvido,
En los vastos jardines sin aurora;
Donde yo sólo sea
Memoria de una piedra sepultada entre ortigas
Sobre la cual el viento escapa a sus insomnios.
Donde mi nombre deje
Al cuerpo que designa en brazos de los siglos,
Donde el deseo no exista.
En esa gran región donde el amor, ángel terrible,
No esconda como acero
En mi pecho su ala,
Sonriendo lleno de gracia aérea mientras crece el tormento.
Allí donde termine este afán que exige un dueño a imagen suya,
Sometiendo a otra vida su vida,
Sin más horizonte que otros ojos frente a frente.
Donde penas y dichas no sean más que nombres,
Cielo y tierra nativos en torno de un recuerdo;
Donde al fin quede libre sin saberlo yo mismo,
Disuelto en niebla, ausencia,
Ausencia leve como carne de niño.
Allá, allá lejos;
Donde habite el olvido.
*POESÍA EN EL EXILIO.
Los poetas que abandonaron España tras la guerra se sintieron injustamente arrancados de su patria; de ahí que uno de los grandes temas de la poesía del exilio sea la nostalgia de España.
En todas las obras posteriores a 1936, Cernuda se enfrenta al tema de España vivido como problema. Su sentimiento va de la nostalgia a la crítica feroz, porque, a pesar de que siempre fue tratado con intolerancia, para él representaba el símbolo de la infancia, el paraíso perdido.
A esta última etapa pertenece Desolación de la quimera, un poemario que ha suscitado gran admiración entre las últimas generaciones de poetas.
miércoles, 24 de febrero de 2010
Etapas de la poesía del 27
La obra de estos poetas abarca un período tan amplio que es necesario establecer distintas etapas en su evolución; además, debe subrayarse que no todos los autores las siguen en la misma medida ni al mismo tiempo.
*VANGUARDIA Y TRADICIÓN.
La juventud de los poetas del 27 (que transcurren en los años 20) coincide con el esplendor de la vanguardia, así pues, ninguno pudo sustentarse a la estela vanguardista.
Poseían, además, una sólida formación intelectual que les hizo admirar la poesía del romancero y de Garcilaso, fray Luis, San Juan, Góngora, Lope, Bécquer, Dario... A ello se unió el magisterio de los autores del grupo anterior: Gomez de la Serna, Juan Ramón Jiménez y Ortega.
Los poetas del 27 no rechazaron nada en literatura. Como toods los caminos eran válidos para alcanzar la belleza, no es extraño encontrar en un poema imagenes irracionales aplicadas a temas tradicionales o estrofas clásicas (décimas, sonetos, romances) que traten de la vida moderna. Es decir, consiguieron un perfecto equilibrio entre tradición y vanguardia.
Cultivaron también la poesia pura. Creían que el poeta no tenía por qué imitar la realidad ni defender con su arte principios morales o políticos. La inteligencia, y no el corazón, proporcionarian la palabra exacta. Se trata de una poesia intelectual, a veces muy dificil.
*INFLUENCIA DEL SURREALISMO.
Hacia 1929, Lorca, Alberti, Aleixandre y Cernuda sufrieron profundas crisis personales y buscaron en el surrealismo una forma de conocer y expresar sus conflictos íntimos.
Entre las técnicas que emplearon los surrealistas franceses para indagar en el inconsciente destacan la escritura automática y el relato de sueños:
- Escritura automática. Se trataba de pensar en voz alta, expresando todo lo que pasaba por la mente sin reparar en si tenía sentido o en si estaba correctamente escrito.
-Relato de sueños. Durante el sueño, la ausencia del control de la razón produce yna expresión sin lógica, que sólo es comprensible de manera irracional por medio de la intuición.
El surrealismo devolvió a la poesía el interés por las pasiones humanas: el amor, el odio, el sexo, la muerte, los sueños... Sin embargo no existió en nuestro país un grupo surrealista, sino cierta curiosidad por sus técnicas de expresión. Aunque el surrealismo español no fuera ortodoxo (todos rechazaron la escritura automática), sirvió para enriquecer el lenguaje poéticocon imágenes irracionales y oníricas enumeraciones caóticas, dislocaciones del orden lógico de la frase, libertad léxica...
Los nuevos temas produjeron la rehumanización de la poesía, puesto que la exploración del yo y las emociones humanas volvieron a ocupar un primer plano en los intereses del artista.
* POESÍA IMPURA.
La rehumanización de la poesía y las circunstancias políticas que atravesó el país en los años 30 no permitieron que los intelectuales se mantuviesen al margen. En una sociedad que estaba a punto de sufriri una guerra civil, el arte se puso al servicio de fines sociales, incluso políticos.
Los poetas ya no pretenden realizar una poesía pura, sino comprometida, cuya misión no era la belleza, sino la comunicación.
*VANGUARDIA Y TRADICIÓN.
La juventud de los poetas del 27 (que transcurren en los años 20) coincide con el esplendor de la vanguardia, así pues, ninguno pudo sustentarse a la estela vanguardista.
Poseían, además, una sólida formación intelectual que les hizo admirar la poesía del romancero y de Garcilaso, fray Luis, San Juan, Góngora, Lope, Bécquer, Dario... A ello se unió el magisterio de los autores del grupo anterior: Gomez de la Serna, Juan Ramón Jiménez y Ortega.
Los poetas del 27 no rechazaron nada en literatura. Como toods los caminos eran válidos para alcanzar la belleza, no es extraño encontrar en un poema imagenes irracionales aplicadas a temas tradicionales o estrofas clásicas (décimas, sonetos, romances) que traten de la vida moderna. Es decir, consiguieron un perfecto equilibrio entre tradición y vanguardia.
Cultivaron también la poesia pura. Creían que el poeta no tenía por qué imitar la realidad ni defender con su arte principios morales o políticos. La inteligencia, y no el corazón, proporcionarian la palabra exacta. Se trata de una poesia intelectual, a veces muy dificil.
*INFLUENCIA DEL SURREALISMO.
Hacia 1929, Lorca, Alberti, Aleixandre y Cernuda sufrieron profundas crisis personales y buscaron en el surrealismo una forma de conocer y expresar sus conflictos íntimos.
Entre las técnicas que emplearon los surrealistas franceses para indagar en el inconsciente destacan la escritura automática y el relato de sueños:
- Escritura automática. Se trataba de pensar en voz alta, expresando todo lo que pasaba por la mente sin reparar en si tenía sentido o en si estaba correctamente escrito.
-Relato de sueños. Durante el sueño, la ausencia del control de la razón produce yna expresión sin lógica, que sólo es comprensible de manera irracional por medio de la intuición.
El surrealismo devolvió a la poesía el interés por las pasiones humanas: el amor, el odio, el sexo, la muerte, los sueños... Sin embargo no existió en nuestro país un grupo surrealista, sino cierta curiosidad por sus técnicas de expresión. Aunque el surrealismo español no fuera ortodoxo (todos rechazaron la escritura automática), sirvió para enriquecer el lenguaje poéticocon imágenes irracionales y oníricas enumeraciones caóticas, dislocaciones del orden lógico de la frase, libertad léxica...
Los nuevos temas produjeron la rehumanización de la poesía, puesto que la exploración del yo y las emociones humanas volvieron a ocupar un primer plano en los intereses del artista.
* POESÍA IMPURA.
La rehumanización de la poesía y las circunstancias políticas que atravesó el país en los años 30 no permitieron que los intelectuales se mantuviesen al margen. En una sociedad que estaba a punto de sufriri una guerra civil, el arte se puso al servicio de fines sociales, incluso políticos.
Los poetas ya no pretenden realizar una poesía pura, sino comprometida, cuya misión no era la belleza, sino la comunicación.
miércoles, 17 de febrero de 2010
Grupo poético
Tras el ultraísmo se abre paso a una nueva generación de poetas de calidad expecional que determinó en gran medida la evolución de la literatura española del siglo XX.
Estos jóvenes carecían de un programa concreto; más que a elaborar teorías poéticas, se dedicaron desde el principio a la creación. Sus obras se difundieron en revistas literarias -muchas veces impulsadas por ellos mismos-, que a su vez les permitieron mantener contacto con las tendencias poéticas europeas e hispanoamericanas.
* GENERACIÓN DE LA AMISTAD.
Los poetas más destacados del grupo fueron Pedro Salinas, Jorge Guillén, Gerardo Diego, Rafael Alberti, Vicente Aleixandre, Dámaso Alonso, Luis Cernuda y Federico García Lorca.
Aunque de procedencia geográfica diversa (sobre todo andaluces), coincidieron en torno a la Residencia de Estudiantes en Madrid; algunos tenían allí su domicilio, otros acudían a tertulias, conferencias y actos culturales.
La estrecha relación que mantuvieron durante años les ha valido el nombre de "generación de la amistad". Sin embargo, la denominación que ha prevalecido es la de "generación del 27"; en este año,promovieron un homenaje para conmemorar el tercer centenario de la muerte de Góngora. El acto reunió a la mayoría de los miembros del grupo en el Ateneo de Sevilla y con él pretendieron revalorizar la figura del poeta cordobés y de la poesía clásica española.
La obra de esta generación no desarrolló una estética común, pues cada poeta poseía una viz personal y un modo singular de escribir, pero existieron ciertas afinidades estéticas y un espíritu común hacia el hecho poético.
Cuando se habla de la generación del 27 se alude a un grupo de poetas; sin embargo, su época fue extremadamente rica en otras manifestaciones culturales y artísticas. Por ello, es justo citar ahora a otros miembros destacados de la misma, entendiendo el término en su aceptación amplia. Así tenemos otros poetas como Emilio Prados y Manuel Altolaguirre; narradores como Marx Aub y Alejandro Casona; cineastas como Buñuel y pintores como Salvador Dalí.
La obra de esta generación no desarrolló una estética común, pues cada poeta poseía una viz personal y un modo singular de escribir, pero existieron ciertas afinidades estéticas y un espíritu común hacia el hecho poético.
Cuando se habla de la generación del 27 se alude a un grupo de poetas; sin embargo, su época fue extremadamente rica en otras manifestaciones culturales y artísticas. Por ello, es justo citar ahora a otros miembros destacados de la misma, entendiendo el término en su aceptación amplia. Así tenemos otros poetas como Emilio Prados y Manuel Altolaguirre; narradores como Marx Aub y Alejandro Casona; cineastas como Buñuel y pintores como Salvador Dalí.
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